29 de agosto de 2012

Almendra "Almendra" (1969)

http://lix.in/-c49086
flaco
Todavía no lo puedo creer, tantos años del blog y nunca un comentario de esta verdadera experiencia iniciática que es el mundo Almendra.Almendra, la banda que fundó Luis Alberto Spinetta, y que no solo es "la banda de", sino que era una banda, con todas las letras, la química perfecta entre cuatro tipos que supieron crear en un breve período tal vez la música más increíble que uno pueda escuchar.
Almendra es junto con los Gatos Salvajes y Manal, los fundadores del Rock Argentino (estos últimos mucho más del lado del Blues).
Estos cuatro tipos eran aparte del Flaco, eran Edelmiro Molinari (guitarra y coros), Emilio del Guercio (bajo y coros) y Rodolfo García (batería).
Es tremendo que esto sea un disco debut (luego de haber grabado un par de simples), y bien podría ser la obra pico de una banda de larga trayectoria. Las edades promedios de los integrantes no superaban los 20 años, y cuando escuchen lo que lograron, no lo van a poder creer.
Hasta la historia de la tapa original perdida por los tipos de la discográfica forma parte de la mitología rockera, y te explota en la cara para decirte, que a los 20 años de edad, uno puede tener las cosas tan claras como aquí. ¿No está la tapa? El Flaco vuelve a su casa, y como no iba a permitir que el disco salga de otra forma, hace de nuevo el dibujo que uds. pueden ver.
El disco empieza con un clásico absoluto no solo del Rock Nacional Argentino, sino de todo fogón que se precie de tal: "Muchacha (ojos de papel)", de una poesía sutil, hasta naif e inocente, pero que justamente por su simpleza es inolvidable.
Pero el que le sigue tiene una tensión que se hace espesa...y pienso en el momento político que atravesaba la Argentina, y las letras cobran otro sentido: "Figuración" es un manifiesto tremendo, que al día de hoy, cada vez que lo escucho, le encuentro nuevos sentidos.
El Rock está presente, de la mano de una bellísima "Ana no duerme", de una poesía dramática que no deja entreveer que le pasa a Ana, pero hay algo que no la deja dormir, y ni siquiera reconocer que aquello es su propia sombra.
"Fermín" nos acerca un bellísimo clima, en contraste con una historia de absoluta deshumanización, jugando con esa canción que todos escuchamos y cantamos en nuestra lejana niñez ("Mambrú se fue a la guerra"): "Las manos de Fermín, giran y él también, gira y da más vueltas, Pobrecito Fermín, quiere ser feliz, Gira y da más vueltas. En el hospicio le darán agua, sol y pan, y un ave que guarde su nombre; En el hospicio ha de morir, y antes de callar el ave vendrá desde el mar, Lo llevará hasta la mar. Hoy tus sueños, Fermín, saben a aserrín, giran y dan vueltas, Hoy tu tristeza al sol, quiere ser real, aunque no lo creas. En el hospicio le darán, agua, sol y pan, y un ave que guarde su nombre, En el hospicio le dirán, pronto has de morir, La noche izará su final de gotera. Y el ave aquel lo llevará, Fermín se fue a la vida, No se cuando vendrá.
Después de la ironía antipsiquiátrica final, aparece la única "Plegaria para un niño dormido", lleno de ternura y que hasta el día de hoy la canto mientras miro a mis hijos dormir, y me emociona: "Plegaria para un niño dormido, quizás tenga flores en su ombligo, y además en sus dedos que se vuelven pan, barcos de papel sin altamar, Plegaria para el sueño del niño, donde el mundo es un chocolatín, Adonde van, mil niños dormidos que no están, entre bicicletas de cristal, Se ríe el niño dormido, quizás se sienta gorrión esta vez, jugueteando inquieto en los jardines de un lugar, que jamás despierto encontrará, Que nadie, nadie, despierte al niño, déjenlo que siga soñando felicidad, destruyendo trapos de lustrar, alejándose de la maldad, Se ríe el niño dormido, quizás se sienta gorrión esta vez, jugueteando inquieto en los jardines de un lugar, que jamás despierto encontrará, Plegaria para un niño dormido, quizás tenga flores en su ombligo, y además en sus dedos que se vuelven pan, barcos de papel sin altamar".
Otro clásico absoluto es "A estos hombres tristes", que cuando lo tocan en la reunión del 2009, eriza la piel por la complejidad con la que está cpmouesta. Y la poesía, la poesía de estos tipos que ya cargaban con una melancolía tanguera que nadie tenía...y nadie tiene hoy todavía. Si no me creen escuchen detenidamente "Laura Va", y van a ver como se les estruja el corazón de a poco...uno de los primeros experimentos entre tango y rock que yo recuerde.
La música progresiva psicodélica también tiene lugar en la mente de Almendra, con una canción descomunal que después le daría nombre a una de las bandas que se formaron al separase esta: Color Humano.
El viaje termina con "Que el viento borró tus manos", tal vez la que más me recuerda a The Beatles desde el punto de vista de la música, pero también tiene algunos acordes de bossa hermosos. 
Pocas veces un disco tuvo tanto de existencialismo...el otro que ahora se me ocurre es "Artaud", de Pescado Rabioso.
Para que seguir explicando lo inexplicable. La música te pega donde menos lo esperás y cuando menos lo esperás...y si el golpe sigue surtiendo efecto después de tantísimos años...bueno eso es un clásico, ¿o no?
P.D.: Flaco, te extraño cada vez que escucho tus discos...no me conformo con tu presencia simbólica.

28 de agosto de 2012

Cathedral "Statik Majik" e.p. (1994)

viaje
Es impresionante lo rápido que Cathedral se despegó de ese Doom embarrado y ultralento de sus comienzos, para dar forma a una música súper mala onda, pesada, anclada en esos riffs setentosos y con imaginería bien cine clase B 1950, esas de zombies, brujas y seres extraños pululando y apareciendo por todos lados.
Ubiquemos este "breve" e.p. en la historia de los amigos de Lee Dorrian: ya habían editado ese monumento al Groove Doom Rock psicodélico titulado "The Ethereal Mirror" (1993), que había sorprendido a unos cuantos. Y luego de un split con Biohazard (¿?), resultado de las grabaciones para ese hermoso y variado tributo a La Bruja editado bajo el nombre "Nativity In Black", aparece el monstruito....con 4 "hermosas" canciones, repletas de oscuridad y psicodelia mala onda. 
Pero vamos por partes, aprovechando que no son muchas.
El inicio de la mano de "Midnight Mountain" no aporta demasiado a lo ya expuesto en el segundo larga duración; de hecho es una canción sacada de ese disco, y te lleva a mover la cabeza instintivamente, mientras las guitarras te pintan el cerebro y los "yeah!" de Dorrian te transportan a los '70, donde todo era posible, incluso las palmas que aparecen promediando la canción, y que le dan una onda de fiesta que...puta si pusieran esta música en los boliches la guita que gastaría yendo todos los fines de semana.
El viajecito psicodélico se incrementa en "Hypnos 164", con un jugueteo memorable inicial que te lleva a las mejores épocas de los Sabbath, pero con la florida imaginación de unos Blue Öyster Cult en materia de extraterrestres experimentando con los humanos...lindo viaje para dar paso al funeral cósmico, que empieza con un clima verdaderamente críptico, oscuro, solo reservados para aquellos que degustaron y entendieron sus pasos iniciales...hasta aquí el más relacionado con su pasado lento y pantanoso.
Hasta que llega la perla negra del e.p., aquella que justifica tenerlo y escucharlo una otra vez; me refiero a esa suite doom psicodélica progresiva de casi 23 minutos llamada "The Voyage of the Homeless Sapien".
Si hay algo que no tolero en la música, y en sus vertientes más pesadas y/o extremas, es la falta de humor, algo de lo cual estos ingleses no adolecen, es más me atrevería a decir que les sobra, y lo dosifican sabiamente en sus canciones (el juego de sentido en el título bien vale la aprobación con una carcajada).
En esta canción hay de todo y para todo: psicodelia fumona y LSD formateado bajo una manta negra y densa del mejor doom inglés, momentos realmente oscuros y tenebrosos...que bien vale la pena explorar, detrás de esa distorsión orgánica llena de fuzz que genera interferencia incluso en nuestras propias sinapsis, que terminamos creyéndonos el viaje mala onda que el cuarteto nos propone.
P.D.: el riff que aparece en el minuto 6 es de la canción de Manowar (o muy parecido) "Blood of my Enemies", pero tocado diez veces con más onda.
Cathedral nunca fue algo masivo, y lo celebro bajo la frase egoísta y autoconformista: mejor, más para nosotros.
Fúmenla.

27 de agosto de 2012

Los Natas "Unrealesed Dopes" (1999)

desert

Cierto, ya habían sacado ese caluroso y desértico "Delmar", y todavía no se despachaban con el bellísimo "Ciudad de Brahman", pero ya tenían esa personalidad que los hicieron únicos antes de que muchos los descubrieran.
Vamos, de los medios especializados, creo que los que repararon en ellos allá en el lejano tiempo, fueron la Madhouse, cuando recién tenían un casette y por acá (el norte argentino) no se conseguía nada. Creo que el audiogalaxy (el audiogalaxy!!!) daba sus primeros pasos.
De hecho, y para ser más preciso, sería como un compilado de una banda que recién tenía 1 disco oficial en la calle; ya eso es extraño. Pero veamos de dónde salieron entonces las gemas acá expuestas: 3 canciones sacadas de "En busca de la especia" (k7); 2 pertenecientes a las sesiones de "Delmar" pero que no habían sido editadas (creo que se nota la diferencia entre ellas); 2 de "Rutation" (k7) y 2 que aparecen en el "Ciudad de Brahman"...disfrute asegurado.
Lo que nos encontramos en esta obra es rock rutero y fumón, súpercolgado y súper orgánico que sirve para esos viajes largos que uno no quiere (no puede) dejar de hacer de vez en cuando.
Sonidos secos pero que logran transmitir con ese groove tan característico la necesidad de salir por ahí, de vez en cuando, solo, a disfrutar de lo que nos rodea, sin tener que escuchar a nadie en particular...solo las imágenes de fondo y la música, eterna, dibujando más colores todavía.
Y Los Natas me acompañan siempre a cada lugar que voy. Y la sensación de bienestar que me genera escucharlos no tiene precio.
Por aquella época todavía no estaba "Crudo" Villagra en el bajo, sino Miguel Fernández, quien se despediría en "Ciudad de Brahman" (1999), en el cual aparecen varios de estos temas. 
Mejor los dejo con estas 9 canciones, que son como mazazos en la frente, para que les sirva en algún viajecito que quieran hacer. 
P.D.: El viajecito también puede ser simbólico, de la mano de una de las mejores bandas del Rock Argentino, lamentablemente ya separados.

26 de agosto de 2012

Paradise Lost "Paradise Lost" (2005)

paraiso
Y seguimos por acá, en Inglaterra, visitando a otros de los pioneros del Doom/Death, que si bien abandonaron hace mucho el subgénero, no por eso dejaron de hacer buena música, luego de andar un poco perdidos y faltos de ideas...o presionados por el sello al que pertenecían en aquellos tiempos, según dijeron en varias entrevistas. 
Luego de abandonar aquel sello (EMI), recalaron en Gun Records (subsidiaria de Sony), y al comienzo no hubo nada nuevo: el bastante flojo "Symbol of life"(2002), pero 3 años después, levantaron la puntería con este autotitulado, empezando el esperado retorno a las fuentes.
Sonando realmente inspirados, con canciones compactas y riffs gloriosos, esos que hacen que aunque no quieras, el pie y la cabeza se muevan automáticamente, y se te dibuje una mueca sonriente en la cara.
Dejan de lado el sonido falto de identidad ("One Second" y "Host", sobre todo), y aparecen las manos mágicas de Gregor Mackintosh y Aaron Aedy en guitarras, sonando ajustadísimos. La base rítmica no se queda atrás, con Jeff Singer (batería) y Stephen Admondson (bajo) acompañando cual relojito suizo, y dándole espacio a Gregor incluso para que dibuje con unos teclados que recuerdan a lo mejor de Paradise Lost.
Nick Holmes deja su pose de cantante dark-pop, y vuelve con esas cuerdas que tanto influyeron en el género, para darnos una alegría enorme. 
Con esta formación volverían a satisfacer las expectativas con "In Requiem" (2007), y de allí no pararon hasta ahora, cambiando solo el baterista, y logrando un disco indispensable como "Tragic Idol" (2012).
Pero ese será para otra reseña.
Disfruten y comenten.

My Dying Bride "Evinta" (2011)

rojo
Pavada de festejo de los My Dying Bride, regalando desolación y música a sus fans, por sus 20 años de miseria y depresión.
Pensaba que después de Anathema, los de Halifax nunca nos fallaron a quienes buscamos esta dolorosa y oscura belleza llamada música...salvo en ese bodrio de la arañita en la tapa ("34788%...complete") que dudo que alguna vez posteé en el blog.
Un proyecto planeado por la mente de Aaron Stainthorpe, remodelando un sinfín de pasajes de la discografía de MDB, en formato absolutamente neoclásico/sinfónico, y con la descomunal voz de la soprano francesa Lucie Roche. El encargado de los arreglos es el tecladista de los blackers ingleses Bal-Sagoth, Johnny Maudling, que logra un trabajo sobrecogedor, dotando a cada una de las composiciones de una profundidad inmensa y digna de atravesar sin ningún tipo de temor.
Los climas son más góticos -si cabe tal expresión- que los logrados en los discos "comunes" de My Dying Bride, y las voces de ambos cantantes se entrelazan para llevarnos a campos plagados de seres nocturnos que nos acorralan y nos susurran, tentándonos en el camino hacia el dolor y el sufrimiento...y no hay escapatoria.
Si ese camino tiene esta música no hay elección posible; lo mejor que podemos hacer es sentarnos en nuestro rincón preferido y disfrutar de este viaje de más de dos horas (si, sres., más de dos horas!), distribuidos a lo largo de 3 discos, en la edición especial de lujo.
Hay para todos los gustos, desde composiciones "luminosas" (para el canon de la banda), música sacra, hasta experimentos que rozan el noise como alguna vez lo hicieran los franceses Elend, asiduos visitantes de estas páginas.
Encontrar las melodías que nos acongojan y nos estrujan el alma desde hace 20 años no es una tarea fácil, pero si tenemos la paciencia y el tiempo necesario, seguro aparecerá esa que te gusta.
Un viaje que vale la pena hacer, de la mano de los moribundos que musicalizarán nuestro funeral.

Anathema "Weather Systems" (2012)

Anathema
Los datos duros dicen que habían pasado un poco más de 6 años entre "A Natural Disaster" (2003) y "We're Here Because we're Here" (2010), y según mi humilde opinión, la espera había valido la pena.
Y sabemos que con los ingleses, esa palabra, pena, tiene una connotación fuerte e inabarcable, pudiendo conmover al más escéptico de todos.
Después de revisitar en plan semi acústico orquestal viejas glorias de la época más recalcitrantemente doom/death en el hermoso "Falling deeper" (2011), nos regalan una obra que está al mismo nivel del genial e irrepetible "Judgement" (1999), con una selección de canciones sentidas y extremadamente tristes, que si bien son oscuras, tienen ese toque de luminosidad que las hace imposibles de olvidar.
El disco empieza con una suite dividida en dos partes, sumamente emotiva y triste, "Untouchable pt.1" y "Untouchable pt.2", ambas de una fragilidad y tensión que paralizan: "Y siento que que te conocía de antes, y se que puedes escucharme a través de esta canción, y mi amor no morirá nunca, y mis sentimientos brillarán siempre...nunca traicioné tu confianza, nunca traicioné tu fe, nunca renuncié a tu corazón, nunca olvidé tu cara, hay un sentimiento que no puedo describir, hay una razón que no puedo ocultar, nunca vi una luz tan brillante, la luz que brilla detrás de tus ojos, puedo ver esta vida y lo que significas para mi, y cuando sueño sueño con vos, entonces me despierto, dime que puedo hacer. Tengo que dejarte ir hacia la puesta de sol, tengo que dejarte ir y encontrar un camino de vuelta a casa". "Por qué me siento de esta forma?, por qué debería sentir lo mismo?, es algo que no puedo decir, algo que no puedo decir, algo que no puedo explicar, te siento afuera, al margen de mi vida, te veo pasando por mi costado. ¿Por qué debería seguir a mi corazón? ¿Por qué debería caer? ¿Por qué debería seguir mis sueños? ¿Por qué debería estar en paz? Tengo que dejarte ir hacia la puesta de sol, tengo que dejarte ir y encontrar un camino de vuelta a casa. Cuando sueño, todo lo que veo es a vos, cuando sueño todo lo que veo es...nunca vi una luz tan brillante, cegado por la luz que está dentro, cegado por la luz que está dentro de ti,  Tengo que dejarte ir hacia la puesta de sol, tengo que dejarte ir y encontrar un camino de vuelta a casa".
Así empieza esta obra de arte, de unos ingleses que nos tienen acostumbrados a esperar ansiosos para sufrir y emocionarnos con cada uno de sus discos.
Esa tormenta que se cierne sobre nuestras mentes con "The Gathering of Clouds" y oscurece rápidamente el ambiente, será disipada con el toque angelical de Lee Douglas cuando empiece a entonar cálidamente "Lightning song", y nos hará olvidar esas tensas nubes que casi descargan su ira sobre nosotros, con una declaración de principios del actual Anathema: "Este mundo es maravilloso, tan hermoso, si tan solo pudieras abrir tu mente y ver, tu mundo es todo lo que alguna vez soñaste sobre él...".
Recorriendo la discografía entera de la banda hay algo que pocas pueden decir: la música es tan importante como las letras, y no solo van de la mano, sino que es imposible separarlas.
La esperanza tiene lugar también en "Sunlight", acaso una continuación menos melancólica de aquel bellísimo "Dreaming light" del disco "We're Here beacause we're Here".
Pero como los estados de ánimo son cambiantes, y los provocados por Anathema más todavía, aparece una pincelada negra que recuerda a esas frías estacas del "Alternative 4", con una veta electro que se amolda a la perfección..."y se está poniendo más frío..." con "The Storm before the calm".
¿A qué le llaman calma hoy los hermanos Cavannagh? Puede ser a lo que ocurre en el tema a partir del minuto 5, aproximadamente, pero es una calma tan triste y lejana....y engañosa, "como uno con el miedo".
¿O será que "The beggining and the End" es lo que ellos consideran calma?: "Dentro de este frío corazón hay un sueño, que está encerrado en una caja que mantengo enterrada a cien millas en lo profundo de mi alma, rodeada por eones de silencio. Y en algún lugar dentro está la llave a todo lo que quiero sentir, pero los oscuros amaneceres de verano de mi memoria están perdidos en un lugar que nunca puede existir. ¿Puede alguien mostrarme el camino? ¿Puede alguien ayudarme? Porque no puedo ver y el silencio es atroz! El silencio es atroz! Silencio, silencio, desvaneciendo en silencio! Memoria, dentro está la llave para la memoria" Si, esto es lo que uno espera de Anathema, desesperanza, desazón y miseria en formato canción, canción que se te clava en el corazón y te lo arranca sin piedad, pero te deja con una sonrisa final que aturde, casi tanto como ese silencio.
Ya son las últimas canciones, y son las que más lastiman. Es como cuando se acaban las vacaciones, o el fin de semana, y no alcanzó para descansar, o para sufrir...¿quién sabe? Y son las más depresivas, las que más recuerdan a ese Anathema que si bien no extrañamos, siempre esperamos. Ese de "Judgement", de "Eternity", o de "A Natural Disaster". Tal vez "The Lost Child" sea la canción más doom de los últimos años compuesta por la banda. Es tremendo como se las arreglan para tirarte tan abajo, y después en menos de 2 minutos te sacan, te arrancan desde ese fondo inmundo al que te arrojaron y te arropan con las melodías más luminosas, casi lastimándote los ojos (y los oídos...y la mente).
Y se termina. De una forma tan fantasmal como Danny puede obsequiarnos, con "Internal Landscapes", tal vez uno de esos himnos hipnóticos que dentro de 10 años no podamos dejar de escuchar, como tantas de las canciones compuestas por Anathema.
Me olvidaba un detalle, los actuales miembros de la banda: los hermanos Cavannagh (Danny, Vincent, Jamie) y los hermanos Douglas (JOhn y Lee)...ellos son los responsables de uno delos mejores discos del año, y tal vez, solo tal vez, uno de los mejores en la discografía de la banda.
Ahora a disfrutar.

21 de agosto de 2012

Eyelessight "i-i"-demo- (2012)

demo
Proyecto italiano formado hace muy poco, en el mes de Noviembre del 2011, luego de algunas experiencias compartidas en la música.
Según su brevísima información, dicen hacer Cold Depressive Post Black Metal, y de acuerdo a lo escuchado en este extenso demo, no hay por qué negar esa afirmación.
Lo primero que me recuerda el sonido low-fi del demo es que hace años amábamos esta desolación transmitida con tanto despojo y miseria minimalista. Cuanto peor sonaba mejor.
Aunque este no sea el caso, ya que si bien el sonido se enmarca dentro de esa vertiente minimalista tan nórdica, lo que acá tenemos, me imagino pensando a futuro, es una de las joyitas que tiene guardada la península itálica para los que degustamos con fruición las depresiones provocadas por sonidos opacos, estridentes, fríos y desesperantes.
Esas sensaciones son las que emergen rápidamente al adentrarse en el asfixiante mundo de Eyelessight, donde parecería que estamos encerrados en una cámara de tortura, seguramente dentro de esa construcción de la portada, mientras un esquizofrénico nos grita sus locuras y peores visiones, mientras sus compañeros de encierro nos taladran rítmicamente el cerebro con unas guitarras distantes y filosas.
Todo en ellos me recuerda a los grandes popes del género Black Ambient, liderados entre otros por el noruego nazi (pero gran músico) y prolífico Burzum, con esos toques nekro de Darkthrone y viajes ambientales que también me recordaron a sus vecinos Fear of Eternity.
Actualmente la banda está conformada por Ky (bajo, y voces gritadas); Kjiel (inquietantes cuerdas); HK (pozos de perdicción) y Agatunet (guitarras lastimeras).
Una muy disfrutable obra de una banda muy prometedora, que vale la pena tener en cuenta y seguir de cerca.
Les dejo la dirección de Facebook, desde donde podrán descargar su música.

Nachtmystium "Addicts: Black Meddle pt.II (2010)

aditos
Nachtmystium era una banda de Black Metal, pero hoy están lejos de cualquier etiqueta, gracias a los pasos dados, por ejemplo, con ese extraño "Assassins: Black Meddle pt.I", repleto de psicodelia.
Cualquiera pensaría que se irían más arriba con este, pero no, la veta experimental sigue muy presente, con más pinceladas pop/bailables ("No funeral"), y derroche de Killing Joke en su versión más hija de puta y mala onda (escuchen "High on hate" y "Nightfall").
¿Cuántas bandas podrán seguirle los pasos? Dentro de este subgénero no hay mucho, apenas algo en Francia, y son casi tan indispensables y adictivos como estos yankees, que por más hijoeputa que suenen, no pueden ocultar el talento que tienen para crear riffs monumentales e imperecederos, y brindar algunas de las letras con más cinismo del ambiente.
Ya nombré algunas de las joyitas. Pero el disco es un todo denso y oscuro que no deja que se cuele nada de esperanza, y está bien que así sea, sobre todo en un disco "inspirado" en las adicciones.
Resulta gracioso ver como cientos de fans detestan la nueva dirección que tomaron desde el disco anterior, sin tomar en cuenta que las nuevas influencias eran si bien evidentes, enriquecedoras.
También resulta impresionante que con todas esas influencias ajenas al metal, hayan logrado un arte más negro y corrosivo que sus lanzamientos anteriores.
Y lo más interesante es que lo lograron sin sonar forzados, por lo que su música sigue siendo honesta y brutal, lo que para los tiempos que corren, ya es un hallazgo.
Adelante, adictos...

5 de agosto de 2012

Teeth of Lions Rule the Divine "Rampton" (2002)

leeento
A ver...¿si se juntan Greg Anderson (ex Burning Witch, actual Goatsnake, Sunn O))), entre muchos otros), Lee Dorrian (ex Napalm Death, y actual Cathedral), Stephen O'Malley (ufff, millones de proyectos: ex Khanate, ex Burning Witch, ex Lotus Eaters, ex House of Low Culture -todos monumentos al Drone-, a actual Sunn O)))...que tenemos por resultado?
Este monstruo deforme y denso, pesado y críptico es el producto de las mentes y consecuentes ejecuciones instrumentales de esos 4 tipos, que no son desconocidos, y que sabemos que nos pueden "obsequiar" con cualquier cosa que nos taladre la cabeza.
En caso de que estén con ganas de esquizofrenia dumbeta mala onda, carente de melodía pero no de pesadez, bienvenidos al mundo que plantea Dorrian y compañía.
Si, tal como preguntan en "He Who Accepts all That Is Offered (Feel Bad Hit of the Winter)" -casi 30 minutos de triceratops pisándote la cabeza-, sos suficientemente fuerte para sentir dolor real, adentro.
Muchos pensarán que esto es insoportable, pero yo cada día que pasa le encuentro más sentido a esos graves sonidos cuasimarciales que te percuten el cerebro y te lo van minando de a poco, para que al final del viaje te preguntes seriamente por tu integridad mental.
Amo los discos jodidos y muy, pero muy mala onda, como Khanate, por ejemplo.
Para acercarte a ellos, como un adecuado plato de entrada, te dejo "Ramptom ". Si no te gusta, posiblemente lo tuyo sea escuchar Arjona y/o Diego Torres. En ese (c)as(c)o, no se que hacés leyendo todavía esta reseña, incluso el blog. Si a vos no te gusta la música.

4 de agosto de 2012

Branford Marsalis Trio "Bloomington" (1993)

Casi sin darme cuenta, pasaron 5 años de este blog, que comenzó allá por el año 2007 (en el mes de julio para ser preciso), y a modo de autofestejo voy a dejar algo posteado, de quien considero uno de los mejores músicos de Jazz de la actualidad, y tal vez en una de sus mejores formaciones.
Aparte, los que siguen esta humilde página, saben que este saxofonista es uno de mis preferidos, junto con el inalcanzable Coltrane, Sonny Rollins y ese loquillo avantgarde que parece poder hacer cualquier cosa llamado John Zorn.
En este caso, una presentación descomunal en la Universidad de Indiana el 23/09/91, en el marco de una gira por Estados Unidos.
Y digo descomunal por razones puntuales: la duración de las composiciones es lo de menos en realidad, porque en sus discos de estudio de esos años, era similar lo que hacían. Lo impresionante es la intensidad y la sutileza que se desprende de cada uno de los músicos en cada una de sus intervenciones. ¿Quiénes son? Robert Hurst en contrabajo, Branford en saxo y esa bestia llamada Jeff "Tain" Watts, que parece tener 8 brazos, en batería.  La sección rítmica viene desde el año '89 ("Do the right thing"), pariendo obras bestiales como "Crazy People Music" (1990) o aquel "The Beautyful Ones are not Yet Born" (1991), mi primer contacto con este saxofonista impresionante.
Justamente de este último es la mayoría de las canciones ejecutadas, apareciendo versiones intensas, extensas y vertiginosas de "Citizen Tain" o  "Xavier's Liar", por ejemplo.
Nada más que agregar, un disco en vivo del carajo, que bien vale la pena escuchar hasta cansarse, y después repetir.
Más información, dirigirse a su web oficial.